流行の髪型モテる男の生き方

フサフサだった青春時代に戻りたい･･･

時代劇（じだいげき）は、おもに明治維新以前の江戸時代、あるいはそれ以前の日本史上における古い時代を舞台とした。
日本の演劇や映画、テレビドラマ等のジャンルである。
日本の演劇・映画・テレビドラマ等は、「時代劇」と「現代劇」の2つのジャンルに大別する。
時代小説も含めた語として、髷物（まげもの）、丁髷物（ちょんまげもの）ともいう。
時代劇のなかでも、剣戟シーンをクライマックスにもち、新国劇に端を発する剣劇、剣戟映画を、刀の発する音を表現した擬音「ちゃんちゃんばらばら」を略したちゃんばらともいう。
この語は、時代小説における同様の描写・情景をも含む。
「明治維新以前の江戸時代、あるいはそれ以前の日本史上における古い時代」といっても、神代や卑弥呼を扱った弥生時代など、逆にあまりにも時代がさかのぼると、「時代劇」と呼びがたい。

本ジャンルを形成する圧倒的な作品数の多さから、平安時代から明治維新までを扱った作品が「時代劇」である。
時代小説と歴史小説の区別がそうであるように、時代劇よりもノンフィクションに近いものを「歴史劇（史劇）」と呼ぶことも考えられる。
[誰?]が、実際には日本以外のものを「歴史劇」、日本国内のものを「時代劇」と呼び分ける。
英語圏では、日本の時代劇に相当する史劇を period piece または period drama と呼ぶ。
剣劇を中心とする日本の時代劇は、 jidaigeki と呼んで区別する。
歴史上にありえた日本の事件や日本史の人物を登場させることも多い。
その人物像をはじめ慣習、風俗、効果音、台詞、言語においても大胆にフィクション化され、大衆受けするように加工されている。

主人公の視点が現代の正義感に合致するよう描かれている。
演劇のうちでも発祥・発展の時期が先行する歌舞伎の分野では、江戸時代にすでに過去の時代を扱った台本を時代物と呼び、江戸時代当時の現代劇である生世話に対し、時代世話と呼んだ。
鶴屋南北らの「生世話」も、江戸時代のものである以上、現代の映画・テレビドラマにおいては時代劇である。
「時代劇」と呼ばれる日本に特化した本ジャンルが、「明治維新以前の江戸時代、あるいはそれ以前の日本史上における古い時代」を扱ったものである。
演劇は明治維新以降の演劇、映画は「日本映画の父」こと牧野省三が日本初の時代劇映画『本能寺合戦』を撮った1908年（明治41年）、テレビドラマに関しては第二次世界大戦以降に歴史が始まる。

明治維新以降の日本の演劇は、1888年（明治21年）、自由党の壮士角藤定憲らが大阪で創始、川上音二郎らが発展させた壮士芝居を、1890年代後半（明治30年代）の日本のジャーナリズムが、歌舞伎との差別化を図るため、便宜的に歌舞伎を旧派劇、壮士芝居を新派劇と呼んだ。
さらに、1906年（明治39年）に坪内逍遥・島村抱月らの文芸協会、1909年（明治42年）に小山内薫・二代目市川左團次らの自由劇場のヨーロッパ近代劇の影響下にある演劇を、歌舞伎（旧派）、新派との差別化を図り、新劇を名乗った。
このようにして、現行の「時代劇」と「現代劇」の二分法は、江戸時代の時代世話/生世話を源流にもち、この時代に発祥したわけである。
映画においては、上記の牧野省三が京都の横田商会で「旧派劇映画」を撮っていた時代には、旧派・旧劇こと歌舞伎の影響下にあり、女性の役柄は女形が演じていた。

帰山教正が1919年（大正8年）に新劇を映画に導入して『深山の乙女』を発表し、上記の新劇の小山内薫が、1920年（大正9年）松竹キネマに招かれて映画を撮り始めるまでは、映画自体が旧派の影響下にあった。
1912（大正11年）に横田商会等が合併し、日活が設立されて以降も、現代を扱ったものは新派劇の影響でやはり女形であったが、1923年（大正12年）の関東大震災を前後して、新劇的な現代劇を製作し始める。
そのときの日活における名称が、時代劇は「日活旧劇部」、現代劇が「日活新劇部」であった
東京でも、巣鴨の国際活映（国活）等で時代劇映画は盛んに製作されていたが、新劇の発展と映画への導入が東京主導で行なわれ、国活が倒産し、人材が京都に流出したことが、現在の「時代劇」と「現代劇」の東京と京都での棲み分けの源流となった。

太平洋戦争降伏後に日本が連合国軍最高司令官総司令部（GHQ）の占領下に置かれると、占領政策により、日本刀を振り回す剣劇（チャンバラ時代劇）は軍国主義的であり、敵討ちなど復讐の賛美がアメリカ合衆国に対する敵対心を喚起する要素があるとして一時製作が制限された。
犯人を推理する展開を描写の中心とする『捕物帳』ものに付いては小説の執筆や映画公開が許された。
1953年、日本でのTV放送スタートと同時にTVで放送するための時代劇（テレビ時代劇）の製作もはじまる。
1963年にはNHKが現在まで放送を継続する長寿時代劇シリーズ・大河ドラマの放送も開始
以後、膨大な時代劇が生み出され、今日に至る。

テレビ用時代劇は他のテレビ番組が急速にビデオ撮影による収録に切り替わっていく中、1990年代後半までは映画用フィルムによる撮影を主流とし、「ドラマ」というよりは「映画」的なコンテンツとして特異な地位を確立していた。
これはテレビ時代劇と刑事ドラマと特撮ヒーロー番組に言える特徴であった。
時代考証については1960年代まではお歯黒、引眉を行う場合が多かったが、すでに過去の習慣であり、また、お歯黒、引眉が不気味と思われる、等、現代人に受け入れられにくいことから、現在ではお歯黒、引眉に該当する役柄でもお歯黒、引眉をすることは一部の役を除きないといって良い。
また、本来ならふんどしであるべき男性の下着が猿股になったり、元禄時代の物語なのに髪型が幕末仕様だったりするなど、雑な部分も多い。

その一方で、女性の日本髪の鬘は以前は全鬘が一般的だったがハイビジョン収録の一般化に伴い生え際が自然に見える部分鬘を使うようになった。
また、日本刀の打刀では斬撃、抜刀、納刀など元来ほとんど音がしないため、それまで無音であったものが、映画『用心棒』などのころから効果音が必ず入れられるようになった。
乗馬のシーンでは映像的な見栄えを優先して西洋馬が使用される。
また代官、目明し、同心、小者など役職、屋台など風俗については厳密な考証なしに描写されている。
歌舞伎（かぶき）は、日本独特の演劇で、伝統芸能の一つである。
歌舞伎という名称の由来は、「傾く」（かたむく）の古語にあたる「傾く」（かぶく）の連用形を名詞化した「かぶき」だといわれている。

戦国時代のおわり頃から江戸時代のはじめ初頭にかけて京や江戸で流行した、派手な衣装や一風変った異形を好んだり、常軌を逸脱した行動に走ることをさした語で、特にそうした者たちのことを「かぶき者」とも言った。
そうした「かぶき者」の斬新な動きや派手な装いを取り入れた独特な「かぶき踊り」で、慶長年間（1596年-1615年）に京・江戸で一世を風靡したのが出雲阿国である。
その後阿国を模倣したさまざまな踊りが世に出たが、その多くが「かぶき踊り」の範疇で受け取られた。
これが今日に連なる伝統芸能「かぶき」の語源となっている。
この「かぶき」に「歌い舞う芸妓」の意から「歌舞妓」と当て字したのはその後のことだった。

寛永年間（1624年-1643年）に遊女歌舞伎が禁止されると、芸妓に連なる「妓」の字にかわって伎楽に連なる「伎」の字を用いた「歌舞伎」の表記が見られるようになるが、江戸時代を通じてこの「歌舞妓」と「歌舞伎」は混用されていた。
これが現在のように「歌舞伎」に落ち着いたのは明治になってからのことである。
慶長8年 (1603年) に北野天満宮で興行を行い、京都で評判となった出雲阿国が歌舞伎の元祖といわれている。
阿国は出雲大社の巫女だったとも河原者でもあったというが、定かではない。
阿国はその時代の流行歌に合わせて、踊りを披露し、また、男装して当時のカブキ者のふるまいを取り入れて、当時最先端の演芸を生み出した。
このころは能舞台などでおこなわれており、歌舞伎座の花道はここから来ていると考えられる。

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阿国が評判になると多くの模倣者が現れ、遊女が演じる遊女歌舞伎（女歌舞伎）や、前髪を剃り落としていない少年の役者が演じる若衆歌舞伎がおこなわれていたが、風紀を乱すとの理由から前者は寛永6年 (1629) に禁止され、後者も売色の目的を兼ねる歌舞伎集団が横行したことなどから慶安5年 (1652) に禁止され、現代に連なる野郎歌舞伎となった。
そのため、歌舞伎においては男性役も女性役も、すべて男優が演じる。
それは江戸時代の文化の爛熟のなかで洗練されて完成し、独特の美の世界を形成するに至っている。
江戸時代の歌舞伎は成立の過程から(1) 歌舞伎踊りと、(2) 歌舞伎劇に分けられるともいう。
(1) 歌舞伎踊りは若衆歌舞伎までを言い、流行の歌に合わせた踊り（若衆歌舞伎は曲芸なども見せていたといわれる）を指す。

また、その後に創作された踊り主体の演目も含める場合もある。
一方、(2) 歌舞伎劇は自然に現代に見られるような舞踊的要素を備えた演劇となった。
若衆歌舞伎が禁止される際に、幕府より「物真似狂言づくし」を義務付けられたこともその一因となった。
つまり幕府は舞踊主体の公演は売色などをともない、風紀上望ましくないと考えていたのである。
演劇の内容は史実や物語、事件などを題材にして演じる芝居であり、歌舞伎狂言とも呼ばれる。
引き幕によって時間を区切るという演出は物語に時の流れを自然に導入し、複雑な劇の展開を可能にした。

また、客席を貫いて歌舞伎役者が登場・退場する花道によって他の演劇には見られないような二次元性（奥行き）を、またセリ（迫り）と宙乗りにより三次元性（高さ）を獲得し、高度な演劇へと進化した。
江戸時代後期の文化文政時代までは、上方（京・大坂）が歌舞伎の中心だった。
それは上方が中心だった人形浄瑠璃から書き換えられた演目の数からもわかる。
元禄時代には「西の藤十郎・東の團十郎」と江戸にも名優が登場し、江戸歌舞伎の萌芽が見て取れる。
京の坂田藤十郎は細やかな情を表現する和事芸を、そして江戸の初代市川團十郎は猛々しい荒事芸をそれぞれ創始し、江戸の荒事と上方の和事という今日まで受け継がれる芸風の違いが生じた。

近松門左衛門が大坂･竹本座の座付作者となると、上方を中心として人形浄瑠璃が全盛となり、上方では歌舞伎は低迷した。
その後、宝暦･天明･寛政になると上方歌舞伎では女形による舞踊が登場し、桜田治助、並木五瓶の作品が人気を呼んだ。
また、この時期に回り舞台が発明された。
やがて、文化文政時代になると、四代目鶴屋南北が江戸で多くの作品を創作し、江戸三座を中心に江戸歌舞伎の全盛期が到来する。
しかし、天保年間には鶴屋南北や人気俳優らが他界し、天保の改革で、大火を契機に江戸三座は猿若町（現在の浅草界隈）へ移転を命じられ、海老蔵（後の七代目團十郎）らは贅沢禁止令違反で追放されるなど、幕府の政策から一時退潮を見せた。

その後幕末から明治のはじめにかけては、河竹黙阿弥が多数の作品を創作した。
このような歌舞伎狂言は、江戸時代には単に芝居と呼ばれ、出演者を「歌舞伎役者」と呼ぶ
歌舞伎役者らは伝統的に「河原者」（賎民）と区分されさ身分上差別されたが、反面各地への通行に便宜を与えられた。
武士階級の者は江戸幕府に倣って芝居見物を多くの藩で禁止した。
明治になっても相変わらず歌舞伎の人気は高かったが、海外の演劇事情を知った知識人などからは、その内容が文明国にふさわしくないのではないかという声も上がるようになった。
歌舞伎では物語の背景や人物設定が決して簡単明瞭なものではなく、また内容も仇討ち・お家騒動・心中立などといった「前近代的」なもの（と当時は認識された）が多く、しかも盗賊・侠客・悪家老などを讃美するものあり。

筋書きも荒唐無稽、そしてそれを宙乗りや早替わりなどといったケレン（外連）の演出で補うなどというのは、（彼らが信じる西洋式の）演劇の本来あるべきかたちをないがしろにするものではないか、といった批判が噴出したのである。
たしかに歌舞伎はある程度の基礎知識がないと物語の背景や人物設定が分かりにくいところがある。
「見取り狂言」仕立ての興行で発達した歌舞伎では、複数の演目から人気の場や幕をのみを拾って見せるのが通常である。
また仮に「通し狂言」を上演したとしても、そもそも歌舞伎には一日のうちに時代物と世話物、荒事と和事、狂言と舞踊といった相対する分野をくまなく網羅するというきまりごとがあるため、例えば江戸の遊郭の遊女たちが羨望する粋でいなせな美男の助六が実は姿を変えて父の仇討ちの機会を待つ武士の曾我五郎（鎌倉時代に実在した人物）だったりする必然性があった。

こうした歌舞伎を愛する者にとってはあたりまえな設定も、洋行帰りの知識人にとっては奇妙奇天烈な展開にしか見えなかった。
そしてそもそも作者と役者の双方が演出家の役割を兼ね、さらに「お家芸」という口伝がものをいう歌舞伎は、脚本家・演出家・俳優の役割が明確に分担されている西洋演劇を見慣れた者たちには混沌と混乱にしか見えなかった。
文明開化を謳歌する明治という時代は、こうした者たちの意見が問答無用で通った時代だった。
このような批判を受けて、演劇改良運動と呼ばれる歌舞伎様式の改良運動が起こった。
これは明治政府の文明国の上流、中流階級が観劇するにふさわしい演劇の成立を目指す目論見ともかさなり、政治家を巻き込んだ運動となった。

この運動のひとつの成果として、現在につながる歌舞伎座の開場がある。
また新派と呼ばれる、日本の新しい演劇形式が成立したこともこの時代に特筆すべきことといえる。
このような運動の中で創作された歌舞伎演目は、最初、河竹黙阿弥らの旧来の作者や福地桜痴ら文化人によって、歴史的事実をありのままに演じる活歴物や、西洋風の新しい風俗を描いた散切物などが創られたが成功しなかった。
その後、俳優の芸よりも脚本を主体とした新歌舞伎と呼ばれる多くの作品が昭和の戦前にかけて生まれた。
しかし歌舞伎愛好家の支持を得られず、今日でも上演される作品はあまり多くない。
また、明治の名優九代目市川團十郎と五代目尾上菊五郎が古典の型を整備。

大正には二代目市川左團次が埋もれていた古典の復活を行い、上方では初代中村鴈治郎が和事の芸を大成するなど従来の作品の見なおしも行われた。
昭和には六代目尾上菊五郎・初代中村吉右衛門、十五代目市村羽左衛門、二代目實川延若、三代目中村梅玉など多くの名優が活躍し今日の歌舞伎に大きな影響を与えた。
その一方では、従前からの梨園の封建的なあり方に疑問を呈するかたちで二代目市川猿之助の春秋座結成に始まり、ついに歌舞伎界の封建制的な部分に反発して昭和6年 (1931) には四代目河原崎長十郎、三代目中村翫右衛門、六代目河原崎國太郎らによる前進座が設立される。
現在に伝わる江戸時代に創作された歌舞伎狂言の演目は、大きく分けて、(1) 人形浄瑠璃（文楽）の演目を書き換えたものと、(2) 歌舞伎狂言として創作されたものがある。

(1) 人形浄瑠璃の演目を書き換えたものは丸本物と呼ばれる
内容としては、(1) 江戸時代より前の時代に起きた史実を下敷きとした時代物と、(2) その当時の世相を描写した世話物に分けられる。
また、世界と呼ばれる約束事があり、演目の背景となっている物語の基本的な大枠が決まっていた。
例えば「太平記の世界」、「平家物語の世界」、「義経記の世界」、「曾我物の世界」、「隅田川物の世界」などがあり、登場人物やその関係などは初めて見物する観客にとってもよく知っているなかで、観客は戯作者がどのように物語を展開させるかを楽しむようになった。
江戸時代の歌舞伎は日の出から日没まで上演した。

これは当時の芝居小屋では天窓から照明の明かりをとらざるを得なかったため（歌舞伎の夜間上演が行われるようになったのは明治初年になってガス灯が使われるようになってからのことである）。
朝方から夕刻までやっている歌舞伎は江戸っ子にとって一日がかりの娯楽であり、そのためもあって当時書かれた演目には概ね長大なものが多い。
歌舞伎は必然的に、一日のなかで時代物を好む客も世話物を好む客も、どんな客をも楽しませような形態に進化していった。
歌舞伎ではひとつの演目であっても時代物と世話物が幕間をはさんで交互に現れるといった、複雑な物語の展開をみせるものが少なくないのはこのためである。

しかし江戸時代も後期になるとこのようにひとつの演目を通しで上演すること（通し狂言）は稀となり、一日のなかで人気演目の人気場面をつなぎ合わせて上演すること（見取り狂言）が一般化した。
これが今日にも連なる歌舞伎独特の上演形態となっている。
4つの狂言が上演される場合、かつては順番に「一番目」、「中幕（なかまく）」、「二番目」、「大切り」と呼ばれた。
歌舞伎の演目の題名のことを外題（げだい）という。
「芸題」（げいだい）が詰まって「げだい」になったとする説もあるが、古代から中世にかけては絵巻物の外側に書かれた短い本題を「外題」、内側に書かれた詳題を「内題」といっており、これが起源だとする説もある。

外題はもともと上方歌舞伎の表現で、江戸歌舞伎では名題（なだい）といっていた。
こちらにも「内題」（ないだい）が詰まって「なだい」になったとする説があり、上方の「外題」と江戸の「名題」で対になることが、絵巻物起源説の根拠となっている。
外題には縁起を担いで伝統的に「割りきれない」奇数の字数が好まれる。
このため『義経』や『四谷怪談』のようにどうやっても割れてしまう字数には、あえて「千本櫻」や「東海道」などの奇数の字を付け足して『東海道四谷怪談』や『義経千本櫻』などいった長い外題とした。
しかも作者や興行主は当て字や当て読みを駆使して粋を競ったので、外題には凝った漢字5文字か7文字のものに長大な読みを無理に付けたものが多く、今日のわれわれから見ると字面だけでは何と読めば良いのか分らないようなものある。

このため5文字以上の外題がついた演目には、より親しみやすい通称がついていることも多い。
大向うをうならす（うならせる）- 大向うに座る目の肥えた芝居の見物客の賞讃を博する。
転じて、人々の人気を集める。
十八番（おはこ）差金（さしがね） - 蝶や鳥などを舞台上で表現する場合に、小道具で創り、後見（舞台上で補佐する役。
黒衣のときもある）が長い棒にさして動かす。
この小道具一式を差金と呼ぶ。
また人形浄瑠璃でも人形を動かす部分に差金と呼ばれる部分がある。
黒子（くろこ）- 表には出ないものの、なくてはならない存在。

縁の下の力持ち。
ただし「黒子」「くろこ」は共に誤用が定着した慣用で、正しい表記は「黒衣」読みは「くろご」。
黒装束に黒頭巾を着用し、舞台上で役者の介添や小道具を操作する者のことをいう。
黒幕（くろまく）- 歌舞伎の黒幕は通常夜を表すために用いるが、人形浄瑠璃の黒幕は舞台を操る者をその陰に隠すために用いる。
そこから歌舞伎でも、舞台裏から影響力を行使して舞台を操る興行主・金主（投資者）・芝居茶屋などのことを「黒幕」と呼ぶようになった。
そもそも黒という色に悪の意味を絡ませるのは近代になってからの連想で、当時はむしろ御公議の「幕府」「幕閣」や大相撲の「幕内」などの語にみられるように、「幕」という語には「中に立ち入り難く、様子が見えにくい」という語感があった。

ここから「外部の者には実情がよく分からない」という意味で、今日の「政界の黒幕」のような使われ方がされるようになったと考えられている。
二枚目（にまいめ）・三枚目（さんまいめ）- 一座を構成する配役の番付の上で、思慮分別をわきまえた貫禄のある役を勤める立役の看板役者を「一枚目」、美男で人気が高い若衆役を勤める役者を「二枚目」、面白おかしい役を勤める道外方を「三枚目」に掲げていたことが語源。
現代でも日常的に用いられる言葉として残っている。
幕切れ（まくぎれ）・大詰め（おおづめ） - それぞれの場（幕）の終わりに引き幕が閉まることを幕切れ、通し狂言で最終幕にさしかかる頃の盛り上がりを大詰めと言った。
現在でも「さしもの事件もあっけない幕切れとなった」、「ペナントレースも大詰めを迎えた今週」のように使用される。

千両役者（せんりょうやくしゃ） - 名優とよばれる歌舞伎役者の収入は1000両を超えたことから、転じて素晴らしく活躍した人の意味。
女形では初代芳澤あやめが正徳年間 (1711–15) に、立役では二代目市川團十郎が享保6年 (1721) に、初の年給1000両を得たという。
専門の演者による公演の他、地域住民が祭礼の奉納行事などとして江戸時代以来の伝統に則った芝居が日本各地で上演されている。
これらを地芝居と呼び、歌舞伎と人形浄瑠璃のどちらかかが演じられる事が多い。
歌舞伎では農村で行われる芝居（農村歌舞伎）や都市における曳山の上で芝居（曳山祭り）等がある。
地芝居における演目の多くは専業の演者による公演と重なり、その影響が強く見られる。

1955年3月に米国のゼネラルエレクトリック社（現ダイヤモンド・イノベーションズ社）が高温高圧合成により人類初のダイヤモンド合成に成功したことを発表した。
上述の発表後に、スウェーデンのASEA社がゼネラル・エレクトリック社よりも数年前にダイヤモンド合成に成功していたという発表がされた。
ASEA社では宝飾用ダイヤモンドの合成を狙っていたため、ダイヤモンドの小さな粒子が合成されていたことに気づいていなかった。
現在では、ダイヤモンドを人工的に作成する方法は複数が存在する。
従来通り炭素に1,200 - 2,400℃、55,000 - 100,000気圧をかける高温高圧法（High Pressure High Temperature, HPHT。
静的高温高圧法と動的高圧高温法とがある）や、それに対して大気圧近傍で合成が可能な化学気相成長法（Chemical Vapor Deposition, CVD。

しかし中にはその地域独自の演目を備えるなど、個性的な発展をみせている公演も存在する。
判定方法としては、一般的な拡大検査による内部特徴の観察の他、
宝石鉱物表面の粒子を高周波プラズマでイオン化し、質量を分析することによって生成環境を知る方法。
細く絞ったレーザー光線を走査し、宝石鉱物内部の構造や欠陥を画像としてとらえる方法。
宝石鉱物表面に赤外レーザーを照射した後の蒸発した気体粒子の電気的変化に伴って放出される放射光線の波長を調べ。
元素分析を行う方法・ラマン効果(物質に単色光を照射した時、その散乱光の内に物質ごとの特有な波長の光が含まれる現象)を利用。
物質の同定や分子構造を解析する方法等々がある。

クモ類では、その基部に毛の動きを捉えるしくみがあり、音を聞く（空気の振動を受容する）構造と考えられるものがある。
これを聴毛（ちょうもう）という。
環形動物の多毛類では体節毎に存在する疣足に特異な形の針状の構造の束がある。
これを剛毛という。
貧毛類では疣足はなく、剛毛のみが体節毎に配置する。
これらは体に半ば埋もれており、種によっては出し入れでき、運動の補助的役割を果たす。
その先端は鈎型、櫛状など様々で、分類上の特徴ともなっている。
植物体の表面から突出する細長いものも毛という。
これは動物の場合と異なり、普通は細胞、あるいはその一部が突出したものである。

葉や茎に生える毛は、普通は独立の細胞、あるいは複数の細胞からなる。
根には根毛があるが、これは表皮細胞の一部が伸びたものである。
手術が完了し回復する過程において、頭皮の赤みが生じうる。
主な理由は、その期間は移植が行なわれた頭皮の部位が通常より柔らかいからである。
しかしこれは治療の当然の結果であり、形成外科医はその点を患者に伝え、望ましい回復のため従うべき一連の指示を与えるだろう。
それには、氷で冷やしたり、短期間運動を控えるといった内容が含まれる場合がある。
頭垢（ふけ、雲脂）とは、頭の皮膚から発生する、うろこ状の白い老廃物。
頭皮に生じた垢。
新陳代謝によって頭皮に存在する角質細胞が剥がれることにより発生する。

ヘアカラーリング剤（ヘアカラーリングざい）は頭髪用の染料である。
日本の薬事法では、ヘアカラーリング剤は、染毛剤（医薬部外品）と染毛料（化粧品）に大別される。
染毛剤（カラー剤）の主成分は、パラフェニレンジアミンなどの酸化染料で、使用時に過酸化水素水と混合すること。
これと同時に過酸化水素による毛髪中のメラニン色素の脱色が起こるため。
染料の配合濃度に応じて「白髪染め」から「おしゃれ染め」まで、色調の異なる染毛が可能となる。
カラーリングのほとんどが、この方法である。
ジアミン系の酸化染料は、体質により皮膚アレルギー反応（カブレ）を起こすことがあるので、使用前にパッチテストが必要である。
このほかの成分としてアンモニアなどのアルカリ剤を含むため、毛髪を傷める欠点がある。
ブリーチ剤は、酸化染毛剤から染料を除いたものでメラニン色素を脱色し髪を明るくする。
黒髪を金髪に変える強力なブリーチ剤には、過酸化水素水のほかに酸化助剤として過硫酸塩を配合したものがある。

これらの製剤はすべて医薬部外品に分類される。ブリーチは、色を付けているわけではないので厳密にはカラーリングではない。染毛料は毛髪を一時的に着色するもので、代表的な製品としてヘアマニキュアがある。
ピンク、ブルー、イエローなど原色に近い色をのせたいとき、黒髪を脱色している人が一時的に髪を黒く戻す。
もしくはジアミン系染料でカブレを起こす人の白髪隠しに使われる。
ヘアマニキュアの主成分は化粧品に使用される酸性染料で、酸化染料と比べてアレルギー性が低いため、染毛剤でカブレる人も使用できる利点がある。
また、アルカリ剤を使用しないため毛髪へのダメージが少ない。
反面、酸化染料と比べシャンプー等で色落ちがしやすい欠点がある。
このほか染毛料には、ヘアスプレーにカーボンブラックなどの顔料を配合したカラースプレーや、生え際の白髪を隠すリタッチ用製品もある。
これらの製品には毛髪を染める力はなく、一回のシャンプーで落とすことができる。

仕事でよくパソコンを使うので目のために「ブルーベリーアイ」を飲んでいます。評判のスキンケア「草花木果化粧品」を買いました。効果がでたらスグ報告します～。

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